Бывая на открытии художественных выставок участников образцовой изостудии «Вяселка» гимназии №1 «Логос»,
всегда отмечала про себя, что Эдуард Матюшонок, один их руководителей студии, представляя работы, словно дает ключ к «прочтению» картин юных художников. Частично эта информация попадала в материалы, но не вся и не
всегда. Мы специально встретились с художником с вполне утилитарной целью – получить конкретные рекомендации, как понимать искусство. Мы попросили Эдуарда Владимировича дать нам «шпаргалку», руководствуясь которой можно попытаться проникнуть в замысел автора или, что более важно, присмотреться к собственным ощущениям, ведь явление таково, каков наблюдатель.
Эдуард Владимирович советует: «В искусстве надо быть. Чтобы открыть мир художника, нужно заглянуть в себя. Прислушаться к своим ощущениям. Общая рекомендация такова: «погружаясь» в картину, обращайте внимание на цвет, композицию, контекст».
Цвет. Цветовосприятие внутренне присуще человеку с рождения. При этом социально-культурный контекст определяет его особенности. Например, для нас, европейцев, красный – цвет опасности, крови. С другой стороны, и это очень ясно по колористике белорусского орнамента, красный – это цвет витальности, жизни, благополучия, плодовитости. Природные условия Индии и её религиозная традиция обусловили восприятие индийцами красного как цвета радости и гармонии. Взгляд скандинава отдыхает на белом и пепельном, для него это самые естественные цвета, с которыми он чаще всего встречается. Осознаем мы или нет, но существует традиционное восприятие цвета, характерное для каждого народа. Дизайнеры интерьеров используют это понимание особенностей с вполне утилитарными целями: зеленый и голубой – цвета травы и неба – для отдыха и успокоения, красный – для кратковременной мобилизации внимания и т.д.
В живописи цвет играет главную роль. Цвет – это инструмент передачи эмоций. Вспомните, например, картину Репина, где Иван Грозный убивает своего сына. Пульсирующий красный – цвет агрессии, крови, убийства, ужаса. И черный – наступающий со всех сторон черный – как символ овеществленного зла, духовных сумерек, захватывающей тьмы. Или припомните экспрессиониста Мунка. Его «Крик», где цвет материализует крик. У Михаила Савицкого преобладает темная гамма – а как иначе показать ужас концлагеря?
Композиция. Это второй важнейший инструмент художника. То, как он строит композицию – размещает на полотне свои объекты: акцентирует, выделяет, усиливает или умаляет что-то, транслирует зрителю идею автора. Композиция бывает уравновешенной или неуравновешенной. Зачастую дисгармоничность используется как приём художника обратить внимание зрителя, указать ему, «включить » его интерес. Композиция – это информация, цвет – эмоция. Художник, как композитор, сочетает образы либо нарочито разрушает гармоничность и именно этим добивается воздействия на зрителя. Образы «на улице не стоят», чтобы создать их, сознание и подсознание художника проделывают огромную работу.
Контекст. Восприятие любого объекта искусства базируется не только на эмоциональном принятии. Хорошо бы добавить и интеллектуальное понимание. Пресловутый «Черный квадрат» Малевича невозможно воспринимать только зрением: неинтересно, непонятно, «не задевает». Но когда знаешь контекст – бурное начало русского и советского авангарда, философию нового искусства – тогда знание порождает новые ассоциации. Черный квадрат – манифест супрематизма, придуманного Малевичем: цвет и форма, освобожденные от закрепленных столетиями социальных предназначений, и являют собой, по мнению автора, подлинное искусство. С этим можно соглашаться или не соглашаться, но это позиция, о которой стоит знать. Или унизм Владислава Стрежеминского, которого считают одним из основателей польского авангарда и который, напомню, некоторое время работал в Вилейке. Художник считал излишним множественность форм на полотне, он акцентировался на цвете. В его картинах названного периода нет динамики и контраста, они однородны, гармоничны, уравновешены по цвету.
Значит ли это, что необходимо знать все течения в искусстве? Нет, это и невозможно, ввиду многочисленности последних. Но готовиться к походу в музей или на персональную выставку обязательно стоит – так вы готовите себе несколько «призм восприятия», через которые сложится ваша личная картина, ваша интерпретация увиденного.
– И все же. Эдуард Владимирович, как отличить хорошего и плохого художника? Смотришь, вроде замечательные картины и у того, и у другого. Но одного называют мастером, а другой – ремесленник, продающий на улице…
– Но и среди уличных художников есть мастера. Хотя справедливо и то, что многие уличные художники, создавая на потребу дня, снижают творческую планку, а, быть может, напрасно растрачивают свой талант, потакая общественным вкусам. Это очень сложная тема. Если уж дерзнул назваться художником – помни об ответственности. Искусство – серьезное оружие. Звук, форма, цвет – средства воздействия на человеческое сознание. А воздействие может быть позитивным, а может – негативным. И вот за это ответственен художник. Господь дает талант – это твоя возможность сказать своё слово. Значит, говори. Обязательно. Даже если ты неудобен, если не понят и не принят. Говори – художник не может не проявить то, что его переполняет. Но также и помни, что ты отвечаешь перед людьми за плоды своего труда.
Для ремесленника – это способ заработка, для художника – способ существования. Это не значит, что художник витает в эмпиреях и питается куском хлеба, но это значит, что художник не может не писать.
Лично для меня ценны картины, где видна индивидуальная работа художника. Совершенно не обязательно она должна мне нравиться. Я могу не соглашаться с выбором цветового и композиционного решения, но картина должна «зацепить». Если к ней хочется возвращаться, если остается «послевкусие», если она дала пищу для размышлений, если вступаешь в мысленный диалог с автором – художник достиг своей цели. Он установил контакт со зрителем, он смог передать свои эмоции и чувства, которые переполняли его во время работы.
Ирина ТРУБАЧ
